C I N E M A
Articolo di Mario Grella
C’è un detto che dice che da un acquario si può fare una zuppa di pesce, ma che da una zuppa di pesce non si può fare un acquario, parafrasando il quale si può ben affermare che se da un libro si può fare un film, difficilmente da un film si può fare un libro. Ecco, Queer di Luca Guadagnino soffre molto del fatto di essere tratto dall’omonimo libro di William Burroughs scritto tra il 1951 e il 1953, ma pubblicato solo nel 1985 per le palesi oscenità contenute. Ricordiamo solo cosa disse lo stesso Burroughs di questo romanzo autobiografico maledetto, scritto subito dopo Junky: “Se ‘Junky’ l’ho scritto scritto io, ho l’impressione che in ‘Queer‘ sono stato scritto”. Già da queste parole sembra che il film di Luca Guadagnino sia un po’ inadeguato al complesso, delirante, disorganico, incontinente testo di William Burroughs.
La storia è ambientata negli anni ‘50 a Città del Messico, nuova patria di molti espatriati statunitensi in fuga dal loro paese spesso proprio perché omosessuali o comunque per condotte di vita non conformi all’American way of life. William Lee, un omosessuale di mezza età dedito ad alcol, droghe e ricerca di rapporti sessuali occasionali, qui cerca con ostinazione di conquistare Allerton, attraente e scostante giovane uomo col quale, sempre a caccia di emozioni forti e di nuove frontiere della conoscenza psichica, intraprende un viaggio nella foresta equadoregna per trovare la yagé o ayahuasca, una radice che renderebbe l’essere umano capace di controllare telepaticamente la mente altrui, sostanza ideale per chi era alla continua ricerca della concupiscenza dell’altro. Il film, interamente girato negli studi di Cinecittà, non è del tutto convincente, benché regali allo spettatore l’impeccabile interpretazione di Daniel Craig nelle vesti del protagonista William Lee (alter ego dello stesso Burroughs). Quello che convince meno è la trasposizione in immagini di un testo complesso, tutto incentrato sulla parola mirabolante, estrema, cruda, livida e sferzante, parola che se diventa immagine, subisce un irreversibile processo di depauperizzazione.
Forse non è nemmeno colpa del regista, ma si tratta proprio della impossibilità, per certi testi, di essere riversati in un linguaggio cinematografico, fatto precipuamente di immagini, fotografia, movimento della macchina da presa. Non è un caso che i testi della Beat Generation, portati sullo schermo, non siano mai diventati film indimenticabili. Ricordiamo solo il mediocre On the Road di Walter Salles del 2012 o Il pasto nudo leggermente migliore, girato da David Cronenberg nel 1991. Anche un altro film tratto da un libro maledetto come Storie di ordinaria follia di Charles Bukowski, e girato da Marco Ferreri nel 1981, sembra non aver raggiunto i ritmi narrativi, le atmosfere, le cifre stilistiche del libro. Non sarà forse per la teoria dell’acquario esposta al principio di queste note? Il cinema richiede spesso storie scritte per il cinema, modellate su quello specifico medium, un testo è un testo, un film è un film, e forse è necessario ricorrere alla teoria di André Bazin per ricordare che l’essere prossimo alla realtà di un film non consente soverchie libertà ad un testo scritto che diventa cinema.
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