Mouthing ditties Staring far away A penny, what you thinking? (Editors, Vibe, 2022)
EBM ovvero Editors Blanck Mass. Ma anche: EBM inteso come Electronic Body Music. Il settimo album della band britannica capitanata da Tom Smith si racconta perfettamente attraverso l’anagramma del titolo; in primo luogo, perché il produttore Benjamin John Power, in arte Blanck Mass, è divenuto ufficialmente membro del gruppo e, in secondo luogo, per l’influenza che band come Nitzer Ebb, Front 242, DAF e Skinny Puppy hanno avuto sul sound del nuovo LP. EBM espone la volontà degli Editors di spingersi verso un alt-rock dai tratti synth-pop e industrial ancora più marcati con la complicità della produzione di Blanck Mass, noto per composizioni noise e che aveva già collaborato con la band ai tempi di Violence (2018), dando all’album un taglio più brutal nella riedizione The Blanck Mass Sessions (2019).
Sono trascorsi sette anni da Endkadenz e dopo ben sette anni possiamo finalmente godere del settimo album dei Verdena. Se volessi veder magia nel numero sette, potrei fare un lungo elenco di coincidenze e significati, ma tenterò di darmi un contegno dicendo semplicemente che il sette è il numero della completezza in diverse culture, e ad è alla completezza che ho pensato quando ho ascoltato Volevo magia per la prima volta. C’è tutta la struttura musicale, canora e lirica a cui i Verdena ci hanno abituati; c’è una completezza e un ritrovarsi continuo nei versi, ci sono tematiche che tornano come topoi, dinamiche, timbri, arrangiamenti cui i Verdena ci hanno abituato e viziato. E poi c’è un mondo nuovo, a metà tra il rassegnato e lo strafottente, c’è tutta una nuova ambientazione bucolica e selvaggia. Nuove esperienze, nuovi esperimenti, nuovi approcci ad eventi e fenomeni fisici, nuovi rituali.
Mi ricordo ancora la prima volta che ascoltai De-loused in the comatorium, il primo disco dei Mars Volta: rimasi abbagliata. Non era il tipo di musica che ascoltavo quotidianamente, ma il loop sonoro in cui fui trascinata, così preciso nel dipingere la sensazione di estasi psichica e di deliri di morte, fu per me un’esperienza del tutto nuova. Così anche il loro live. Decisi che amavo i Mars Volta, in particolare Cedric Bixler Zavala e Omar Rodriguez-Lopez, le due menti dietro anche gli At the Drive In, come tutti gli amori post adolescenziali che si rispettino, con passione ma anche con razionalità. Questa premessa per dare l’idea delle aspettative, piuttosto alte, su The Mars Volta, uscito dieci anni dopo l’ultimo disco Noctourniquet (2012).
Credo di averlo ribadito già più volte e proprio qui, sulle pagine di Off Topic, che il jazz di Chicago non è solo il riferimento attualmente più importante negli USA ma è forse una delle proposte più innovative di tutta la musica contemporanea. È chiaro che in questa circostanza la vexata quaestio riguardi il significato letterale del termine ”jazz“ come del resto, l’autore di In These Times, cioè Makaya McCraven, ha così sottolineato: “Cerco solo di creare la miglior musica possibile e non so neppure se chiamarla jazz… e forse non è necessario etichettarla in questo modo” (da All About Jazz – 29/01/21). Ma come mai il batterista McCraven si schermisce nell’attribuirsi questo ruolo di jazzista? Non siamo alle soglie di alcun utopismo musicale, McCraven non è un teorico – anche se si fa chiamare “scienziato del ritmo” e definisce la sua musica come “organic beat music” – bensì un musicista che agisce diacronicamente su ciò che suona e non solo per quello che riguarda i consueti approcci improvvisativi. L’azione, in realtà, si prolunga oltre l’incisione musicale in sé. Come già fecero, in passato, Miles Davis con il suo produttore Teo Macero, sui nastri o comunque sulle tracce raccolte vengono operati dei tagli, delle cuciture, degli assemblaggi trasversali tra celle musicali differenti per ottenere una sorta di musica “reinventata”, prolungando il lavoro creativo oltre i limiti della pura performance. Inoltre McCraven accoglie nelle sue composizioni tutto ciò che può apparirgli congeniale, dagli archi ai droni di sottofondo, dai suoni urbani contemporanei dell’hip-hop al dub e ai ritmi jungle, inserti modali, soul music, spiritual jazz… Persino la scelta degli strumenti è estremamente fluida per cui ai tradizionali elementi dei gruppi jazz si aggiungono arpe, flauti traversi, marimbe, sitar, quartetti d’archi ed altro ancora. Pur non essendo originario di Chicago – McCraven è infatti nato in Europa, a Parigi, nel 1983 – qui si è trasferito a 24 anni, dopo una prima residenza nel Massachusetts. Ma è proprio nella Città Ventosa che il batterista franco-americano viene ben presto ad includersi nella scena musicale della città, tesa tra avant-garde e tradizione. Ora, dopo aver pubblicato il suo primissimo disco da titolare nel 2012 – Split Decision – e dopo una serie di interessanti uscite tra cui l’ultimo, acclamatissimo Deciphering The Message dell’anno scorso, McCraven propone un album con undici tracce, registrate in cinque studi differenti e in quattro performance dal vivo. Questo lavoro ha richiesto una preparazione durata circa sette anni, avvenuta tra l’altro in contemporaneo allestimento di tutte le altre pubblicazioni, a cominciare da In The Moment del 2015. Sembra proprio che In These Times si sia voluto rappresentare una sorta di sintesi complessiva dell’estetica musicale di McCraven, quasi a tirar le fila di un discorso iniziato diversi anni fa e mai portato definitivamente al suo compendio. L’Autore viene accompagnato da una quindicina di elementi, tra cui qualche nostra vecchia conoscenza come Brandee Younger – una recensione la trovate qui – Joel Ross – anche lui è recensito qui – Gregg Spero – potreste dare un’altra occhiata qui – ed una serie di altri validi musicisti che elencherò alla fine della recensione.
C’era una volta il BritPop: sembra ieri eppure sono passati trent’anni da quando i gruppi inglesi come Oasis, Blur, Pulp e Suede si contendevano i palcoscenici di tutto il mondo, poi alcuni si sono persi dietro i burrascosi rapporti interpersonali, altri dietro la smania di intraprendere una carriera solista, mentre i Suede, tra alti e bassi e cambi di formazione, hanno proseguito per la loro strada, magari senza replicare i successi del passato, costruiti a suon di hits di facile presa e grande orecchiabilità, ma comunque affinando il proprio stile e seguendo la naturale evoluzione di una raggiunta maturità artistica. Il gruppo di Brett Anderson è giunto così al suo nono album in studio, Autofiction, pubblicato lo scorso 16 settembre per l’etichetta BMG; quasi un nuovo inizio per loro, che avevano scalato le classifiche inglesi nei primi anni ’90, con un sound che volutamente si rifaceva a idoli come Bowie, Roxy Music e Smiths. Poi la fase sperimentale, con maggiore spazio alle tastiere di Codling, i litigi interni, i cambi di formazione e la pausa dal 2003 al 2010. Autofiction è una rinascita, il ritorno a suoni più grezzi, tanto da essere definito da loro stessi un album punk, non nel senso comune della parola o, almeno, non alla Sex Pistols per intenderci, ma in quanto genuino, per nulla artificioso, un disco molto intimo con tematiche che riguardano da vicino i protagonisti: una riflessione sul tempo che passa, un modo di affrontare le ansie e le paure di questo tempo. Un bilancio della propria vita per Brett, non nuovo a queste considerazioni, già affrontate nelle due autobiografie pubblicate, Coal Black Mornings e Afternoons With The Blinds Drawn, entrando davvero nel privato quando nella canzone dedicata alla madre, persa da bambino, She Still Leads Me On, titolo di apertura, parla di come sia ancora oggi una guida per lui e di come si senta ancora in contatto con lei nonostante la morte li abbia separati. Non è un caso che la lavorazione sia durata ben quattro anni: tanto hanno impiegato Brett Anderson, Mat Osman, Simon Gilbert, Richard Oakes e Neil Codling a scrivere le canzoni, mentre la registrazione è stata velocissima.
Sesto album solista di Edda, Illusion contiene undici brani inediti prodotti da Gianni Maroccolo con il quale Stefano aveva già collaborato per Noio; volevam suonar del 2020. Undici canzoni che sono difficili da digerire, che spingono verso un mondo altro e ideale, un mondo che possa coprirsi con un manto e incantarci tutti: ma Edda descrive un mondo che ideale non è, che ci tiene ancorati a terra, tra disagio, difficoltà, sofferenza e bruttura, in cui la conoscenza separa, in cui i destini sono già scritti e segnati, in cui si è fluidi, si è donna e uono, perenni Tiresia che come Tiresia sono ciechi; ma la cecità di Tiresia è la condizione perché egli possa vedere oltre e scrutare la verità.
Sulla scena mondiale da più di sessant’anni, il sassofonista e flautista americano, primo pioniere della musica globale Charles Lloyd, non sembra interessato ad adagiarsi sugli allori ed all’età di ottantaquattro anni, ancora all’apice delle sue forze e prolifico come sempre, ha pubblicato una trilogia suonata in compagnia di grandi musicisti. Il 23 settembre ha rilasciato Trios: Ocean, il secondo album della serie Trio of Trios, un progetto che lo vede impegnato con tre diverse formazioni. In questo disco, di cui parleremo a breve, Lloyd viene affiancato da Gerald Clayton al pianoforte e da Anthony Wilson alla chitarra. Il primo album della trilogia, Trios: Chapel con il chitarrista Bill Frisell e il bassista Thomas Morgan, è stato pubblicato il 24 giugno, e il terzo, Trios: Sacred Thread con il chitarrista Julian Lage e il percussionista Zakir Hussain, uscirà il 18 novembre.
Ma veniamo all’oggetto del contendere, Trios: Ocean. L’album è la registrazione di un live che il terzetto ha tenuto il 9 settembre 2020 nel teatro Lobero, a Santa Barbara, città natale di Lloyd. Lo spettacolo, a causa della pandemia, si è tenuto senza pubblico ed è stato trasmesso in streaming. Il disco, stampato sia in formato CD che vinile per Blue Note, è composto da quattro lunghi brani in cui i musicisti si immergono nell’atmosfera straniante del teatro vuoto, riportandoci con profondo rispetto, per non dire devozione, alle radici del jazz.
Di Alessandro Sgobbio avevamo già parlato, noi di Off Topic, riguardo a quel bell’album Transparence uscito l’anno scorso nell’ambito del progetto italo-norvegese Hitra – potete trovarne la recensione qui. In effetti la formazione professionale di Sgobbio, pianista dai natali pugliesi, si è realizzata fondamentalmente tra la via Emilia e la Scandinavia, con gli studi al conservatorio di Parma e l’esperienza alla Norges Musikkhogsckole di Oslo. Ma sicuramente Sgobbio riconoscerebbe come prezioso l’apporto di uno dei suoi mentori, cioè lo scomparso pianista ucraino Misha Alperin, a cui è dedicato un brano di questo ultimo album Piano Music. Per proporre un disco di solo pianoforte come questo – il secondo della carriera di Sgobbio dopo il quasi-solo (a parte l’ospitata del clarinetto di Achille Succi) Aforismi Protestanti del 2010 – bisogna possedere uno stato di luminosa grazia che non piove, tuttavia, improvvisamente dal cielo. Occorre una preparazione robusta, ad esempio quella avuta in musica classica, e un bagaglio che abbia toccato, nonostante l’apparente giovane età del pianista, diverse e disparate esperienze musicali, e mi riferisco in modo più esplicito al lavoro coi Pericopes, Silent Fires (recensione qui) e il già citato ensemble Hitra. In effetti è proprio quest’esperienza in più che sottolinea la differenza con il lavoro in solitudine sopracitato. Se in Aforismi le idee erano molte e vitali – 14 brani in meno di 40 minuti di musica – in Piano Music è come se quelle idee seminali venissero meglio sviluppate, selezionate, approfondite, dimostrando una maturità che a parer mio oggi si sta decisamente rendendo evidente. Non è un pianista new-age, Sgobbio, e nemmeno soffre di languori accondiscendenti ad un pubblico di bocca buona. Ma non è nemmeno uno di quegli stancanti minimalisti che insistono delle mezz’ore su qualche accordo reiterato – anche se in Acqua Granda si può ascoltare qualche richiamo a Steve Reich e Philipp Glass. Le sue melodie lavorano sul colorismo di arrangiamenti turgidi ma non debordanti, anzi, si avverte un lavoro di lucida selezione tra le note, come se si puntasse, in fondo, non tanto ad un’asciutta essenzialità quanto ad un suono mondato da impurità, da barocchismi art noveau, per recuperare in toto quella che a me piace definire nuda scienza armonica. Sgobbio passa attraverso tematismi cantabili per toccare attimi di contemporaneità, sfiorare – ma solo per fugaci momenti – l’atonalità giocando sulle dissonanze come in Atma Mater o calandosi all’interno di atmosfere dichiaratamente jazz e cariche di intimismo come in Racemi. Attraverso il suo divenire melodico Sgobbio mira alla preservazione di un proprio personale candore, scavandosi la strada tra varie influenze, combattuto tra l’abbandono alla reverie e istanti di laceranti malinconie ma rimanendo comunque vicino a ciò che importa maggiormente, cioè la verità dell’ispirazione, resa possibile, ovviamente, dal suo adeguato bagaglio tecnico.
Valenze ancestrali ed implicazioni sciamaniche intuibili già dal titolo, ad introduzione di materiali che di fatto ne confermano il carattere: giusto qualche attenzione a scansare ogni più superficiale connessione ‘world’ per non dire (orrore!) ‘new-age’ – che neppure però costituirebbero un’eresia a priori. Poco scontata è intanto la liaison geo-culturale che cimenta due esponenti del sub-continente turco con un alfiere finnico, più in particolare considerando l’identikit robustamente impegnato del polivalente Umut Çağlar, tra gli animatori del sovversivo ensemble etno-free Konstrukt, il vissuto del batterista Fahrettin Aykut, già transitato nella congiuntiva band Baba Zula, quindi del peculiare artigiano di fiati Jone Takamäki (incidentalmente affine per scelte strumentali al ben distinto Ab Baars), già militante nella composita band Krakatau oltre che nella formazione Roommushklahn, ed autore del quotato disco di spiritual-jazz Universal Mind, che ulteriormente c’illumina sulla non marginale scena creativa di Finlandia.
Off Topic 