Emile Parisien - Floating (ACT Music, 2026)

R E C E N S I O N E

Sassofonista francese dalla personalità brillante – leggi qui e qui – Emile Parisien ha costruito negli anni un percorso difficilmente riconducibile a un indirizzo jazzistico univoco. La sua versatilità gli ha consentito di transitare fra diverse scritture senza perdere quella pronuncia limpida immediatamente riconoscibile che fa del suo sax soprano uno strumento insieme affilato e sinuoso. In lui convivono sia l’aspetto di un appassionato musicista, attratto dalle possibilità centrifughe del suono ed anche il ritratto dell’interprete capace di preservare una forte tensione narrativa. Il suo essere melodico e velatamente malinconico non condiziona necessariamente l’esito della sua musica, per cui l’impulso lirico non si placa nell’abbandono sentimentale, continuamente destabilizzato da intuizioni oblique, scarti ritmici e improvvise deviazioni dell’immaginazione. Floating, pubblicato dalla tedesca ACT, nasce dall’incontro con il pianista Yaron Herman, con la contrabbassista Linda May Han Oh – vedi qui – e il percussionista Prabhu Edouard, specialista della tabla.

Quella che inizialmente era apparsa come una transitoria parentesi progettuale e concertistica ha rivelato invece una compatibilità sufficientemente profonda da suggerire un seguito discografico. La registrazione ha forse conservato qualcosa di questa genesi non precisamente programmata, cioè la sensazione che le quattro personalità dei singoli musicisti abbiano trovato un terreno comune prima ancora di stabilire quale struttura definitiva attribuirgli. La formazione possiede, sulla carta, tutti gli elementi per una brillante esibizione di individualità. Parisien dispone di un eloquio strumentale inquieto e mobilissimo, Herman è un pianista dalla spiccata sensibilità armonica, capace di alternare introspezione e impeto, Han Oh unisce precisione, duttilità e una concezione del contrabbasso che supera la semplice funzione di sostegno. Infine Edouard porta con sé un patrimonio ritmico nel quale le tradizioni indiane dialogano spontaneamente con la sensibilità improvvisativa contemporanea. Eppure, il dato più interessante non è la somma di queste singole qualità, bensì il modo in cui esse vengono reciprocamente ridimensionate e amplificate. Il principio di complementarietà non agisce qui come una formula di convivenza pacifica, ma come una precisa scelta estetica in quanto ogni intervento acquista valore attraverso la relazione che instaura con gli altri. Il percorso di Parisien ha sempre mostrato una notevole inclinazione per l’ibridazione e per le forme musicali non facilmente classificabili. In Floating, tuttavia, tale apertura assume una qualità differente. Non si tratta semplicemente di ampliare il vocabolario o aggiungere nuove influenze a un linguaggio già consolidato. Il sassofonista sembra aver compreso che la ricerca può diventare sterile quando si traduce nell’obbligo di produrre continuamente qualcosa di inedito. E infatti Parisien si affida ad una scelta di repertorio che accosta Gurdjieff, de Hartmann, Anouar Brahem, composizioni proprie, quelle di Herman e di Han Oh. Tutto ciò contribuisce a questa apertura senza trasformarsi in un semplice catalogo di provenienze. Ogni brano mette alla prova un diverso rapporto fra melodia, ritmo e spazio, ma la coerenza dell’album nasce dal modo in cui i quattro musicisti affrontano tali differenze. Non cercano di uniformare il materiale alle esigenze di un’estetica predefinita ma lasciano che sia il confronto a determinare la forma concreta dell’interpretazione. Sono soprattutto le influenze medio-orientali, filtrate dallo spirito jazzistico di questo quartetto, ad essere protagoniste in questo album. In certi momenti la convivenza dei musicisti sembra ignorare qualsiasi forma di attrito, facendo scivolare la musica in una sorta serenità uniforme. Tuttavia Floating non propone un idillio sonoro, né una riconciliazione artificiale fra culture, linguaggi e sensibilità. La sua qualità risiede piuttosto nella capacità di mantenere aperte le differenze, senza trasformarle in conflitto permanente né per neutralizzarle in una sintesi accomodante. La musica di Parisien rimane attraversata da una tensione lirica che impedisce alla sperimentazione improvvisativa di diventare un puro gioco intellettuale. Il sax soprano conserva la voce tagliente, le inflessioni imprevedibili, l’accortezza di chi non considera mai una melodia definitivamente acquisita. In questo senso, Floating non offre una bellezza consumabile, pronta a esaurirsi nella piacevolezza del primo ascolto. La sua ricchezza si manifesta con maggiore chiarezza quando si rinuncia a considerare il sax soprano come l’unico centro d’interesse. Allora emergono le risposte della tabla, la discreta mobilità del contrabbasso, le scelte armoniche di Herman e la qualità decisiva delle pause. Ciò che inizialmente sembra un album dominato dalla personalità del leader si rivela progressivamente come un organismo nel quale la leadership è una funzione mobile, non un privilegio permanente.

L’apertura, Asian Songs & Rhythms No. 40, composta da Georges Ivanovitch Gurdjieff e Thomas de Hartmann, introduce immediatamente una concezione del tempo lontana dalla linearità consueta. Il materiale tematico si sviluppa entro una trama nella quale pianoforte, contrabbasso e tabla contribuiscono a collocare con ordine il significato delle frasi del soprano. Herman sottoscrive un assolo moderato ma in linea con lo spirito della traccia. Il brano, in sintonia con la filosofia sapienziale del Maestro russo greco-armeno, è una sorta di lasciapassare per la Luce, se intendiamo questa immagine non solo come promessa di trasmutazione dell’Essere ma come apertura di uno spazio percettivo nel quale i suoni possono rivelare aspetti inattesi. La scrittura non procede per accumulazione, e la concisione come virtù diventa una delle qualità più evidenti dell’intero progetto. Con Bonbon, Parisien introduce un carattere più mobile e giocoso. La tabla di Edouard imprime alla composizione un’energia che non dipende da un battito rigidamente scandito, ma da una successione di impulsi, rimbalzi e accenti irregolari. Il soprano si inserisce in questo ambiente con la propria consueta irrequietezza, completandosi in un assolo di alta qualità tecnica ed espressiva. Il pianoforte di Herman si concede breve spazi out of tune mentre nel complesso del gruppo affiora quasi un’idea teatrale, non nel senso di un intrattenimento costruito sull’effetto, bensì per quella capacità di alternare equilibrio precario, agilità e sorpresa che appartiene alle migliori espressioni dell’arte performativa. La musica sembra procedere su un filo instabile, ma non perde il controllo della propria traiettoria. Parisien e compagni preferiscono invece lasciare che il materiale si sviluppi secondo una logica interna. La sorpresa non è un ornamento aggiunto alla composizione: è uno dei suoi principi costitutivi. Olive Branch introduce una diversa qualità espressiva. La melodia, composta da Herman, è più distesa e memorizzabile, suggerendo una dimensione lirica e nostalgica che il quartetto evita accuratamente di trasformare in sentimentalismo. Si percepiscono echi della tradizione ebraica, con il soprano che può abbandonarsi alla cantabilità, attraversata però da leggere asperità. Il pianoforte realizza un assolo in linea con il melodismo tracciante, sottolineandone il profilo, mentre il contrabbasso con le tabla conferisce profondità alle pause e alle riprese. La dolcezza non viene mai isolata dal contesto che la rende possibile. È piuttosto una conquista provvisoria, continuamente esposta al cambiamento. In Badhra, composizione del tunisino Anouar Brahem tratta dall’album Thimar (1998), il rapporto con le tradizioni medio-orientali si fa più esplicito. La scrittura modale e le inflessioni melodiche di ascendenza popolare creano un orizzonte nel quale la linea del soprano si sviluppa tra ravvicinati e piccoli scarti che ne accentuano la tensione espressiva. Il pianoforte di Herman interviene con una pronuncia percussiva, capace di dialogare insieme agli accenti della tabla senza uniformarsi a essi. Il risultato è fragrante di tradizioni medio-orientali, ma non si esaurisce nella riconoscibilità di quelle matrici culturali. La distinzione è importante, dove la tradizione non è un repertorio di segni da esibire ma una forza che interviene nella costruzione del presente. È in questo senso che Parisien non è stato riassorbito all’interno del tessuto globalista ma ha piuttosto trovato un modo per attraversarlo senza ridursi a un’identità indistinta. La circolazione internazionale dei linguaggi musicali rischia infatti di produrre sia incontri autentici quanto una cosmesi sonora, nella quale timbri e suggestioni vengono selezionati per il loro immediato potere evocativo. Floating evita in larga misura questo rischio perché la differenza culturale non rimane quindi confinata alla superficie. La centralità di Prabhu Edouard emerge con particolare evidenza in Portal firmata da Parisien ed Herman. La composizione si costruisce attraverso ostinati, cambiamenti di densità e interventi vocali del percussionista, che aggiungono alla trama strumentale una dimensione timbrica inattesa. Le vocalizzazioni non vengono utilizzate come un effetto spettacolare, ma come un ulteriore elemento dell’organizzazione ritmica. È questo uno dei passaggi in cui l’album rivela più chiaramente la propria concezione dell’improvvisazione basata non sulla libertà assoluta ma ciò che potrebbe sembrare una successione di episodi indipendenti si rivela invece un processo di trasformazione continua. Yaron Herman è decisivo in questa dinamica. Il suo pianoforte, in diversi momenti, si agita e si strugge, inseguendo traiettorie armoniche che sembrano uscire dalle trame modali aprendo nuove possibilità alla melodia. In 66 il soprano di Parisien pare inizialmente indirizzarsi verso un’immagine monotonale sospesa, affiancato da un contrabbasso che contribuisce a ridefinire il rapporto fra impulso e distensione. Poi, nel segno distintivo dei numerosi scivolamenti di significato che l’album presenta, interviene una componente ritmica, discreta ma presente, sulla quale un singolare ordito pianistico s’incunea in una serie di scale bebop. Tuttavia questo brano mi sembra tra i meno riusciti, forse perché apparentemente più frammentato e meno coerente rispetto ad altri. Ruth permette di apprezzare il versante introspettivo del pianista che ha composto questo brano. Herman si muove spesso all’unisono con il sax di Parisien e si propone in un elaborato assolo con uno stile molto più vicino all’impronta puramente jazz, allontanandosi un po’ dai climi medio-orientali. In effetti tutto il brano, sia coi temi che con le improvvisazioni, scorre vicino alle rive di una forma più usuale d’interpretazione. Nusrat restituisce al quartetto una maggiore propulsione ritmica. Qui la tabla assume un ruolo particolarmente dinamico e la musica acquista una tensione quasi danzante, nella quale l’energia si traduce in uno stile sgargiante nella varietà delle soluzioni e nella ricchezza dei contrasti, con temi orecchiabili senza peraltro indulgere nella spettacolarizzazione delle proprie risorse. Anche in questo caso l’intervento di Herman appare fondamentale, una vera e propria messa a terra per la corrente elettrica del sax di Parisien che si libera in un autentico turbinio di suoni multidirezionali. In As It Comes and As It Goes, composizione della contrabbassista, lo strumento assume il centro della scena attraverso una riflessione solistica che mette in luce un controllo tecnico notevole e una libertà inventiva priva di compiacimento. La voce grave si sottrae alla consueta funzione di fondamento per diventare protagonista di un discorso autonomo, fatto di risonanze, inflessioni e variazioni di peso. Il brano costituisce anche una chiave di lettura dell’intero progetto. La dimensione esecutiva scarna non implica povertà di contenuti, al contrario, costringe ogni gesto a dichiarare la propria ragione d’essere. In assenza di un accompagnamento che possa mascherare le incertezze, la singola nota assume una responsabilità maggiore e il silenzio diventa parte integrante della forma. Han Oh dimostra che la profondità di un’esecuzione non dipende necessariamente dalla quantità di materiale prodotto, ma dalla precisione con cui esso viene articolato. Con El Toro si ripropone un po’ il gioco già apparso in Portal, quindi con le tabla e questa volta anche il contrabbasso in evidenza, nonché le vocalizzazioni di Edouard a ribadire e sottolineare la punteggiatura ritmica. Chiude la carrellata dei brani, Arco, introdotto da accordi in sequenze di semiminime sulle quali volteggia il sax soprano. Ad accompagnare il tutto un sommesso coro vocale femminile, forse da attribuire alla Han Oh.

ll titolo Floating può dunque essere letto come l’immagine di una condizione instabile, ma non per questo priva di direzione. Fluttuare significa sottrarsi alla necessità di una traiettoria rigida, accettando che il percorso venga modificato dalle circostanze. È una postura che richiede controllo e, insieme, disponibilità all’imprevisto, per cui la libertà non è assenza di regole ma possibilità di non subirle passivamente. Parisien sceglie di lavorare sulle relazioni fondamentali della musica: ascoltare, rispondere, attendere, intervenire. Sono operazioni elementari soltanto in apparenza. Richiedono una disciplina che non coincide solo con la padronanza tecnica ma anche con la capacità di percepire quando il proprio contributo diventi necessario e quando, invece, superfluo. La lezione conclusiva di questo lavoro è dunque meno pacificante di quanto la sua atmosfera possa suggerire. Ascoltare davvero significa realizzare come la propria voce acquisti significato soltanto quando incontra qualcosa che non le appartiene. Parisien e i suoi compagni non raggiungono un equilibrio definitivo: lo negoziano, lo perdono e lo ricostruiscono a ogni passaggio. È questa apparente precarietà, non la levigatezza del risultato, a rendere questo album così vitale.

Tracklist:
01. Asian Songs & Rhythms, No. 40 (4:57)
02. Bonbon (5:15)
03. Olive Branch (4:50)
04. Badhra (6:19)
05. Portal (6:18)
06. 66 (5:20)
07. Ruth (4:39)
08. Nusrat (4:55)
09. As It Comes and as It Goes (1:53)
10. El Toro (3:19)
11. Arco (3:27)

Riccardo Talamazzi è un insopportabile vecchiaccio che vuol sempre aver ragione su tutti e tutto. Va avvicinato con le dovute cautele perché morde. E non ama essere contraddetto.